デザイン、イラストレーションを中心にインディペンデントな活動を続ける二人組、Gluekit
雑誌のエディトリアルイラストレーションをはじめ様々なパーソナルプロジェクトもこなす彼らは、アメリカのインディペンデントグラフィックシーンのなかでも急速に頭角を現している。昨年始動した独自のチャリティプロジェクト‘Part of It’や デザインを手がけるYale University Art Galleryのカレンダーでは、アメリカ国内やヨーロッパからアーティストを起用するなど、キュレーター、プロジェクトコーディネーター的な一面も見せている。イェール大学のお膝元として知られるアメリカ東海岸の街New Havenに拠点を構え、独自のペースで活動を続ける彼らにインタビューを試みた。
Gluekit is an illustration and graphics team founded in 2002. Working from their studio in Connecticut, US, the pair keep themselves busy with many exciting projects— editorial illustrations in various magazines including the New York Times, GQ and Nylon, numerous personal projects and their own charity project ‘Part of It’. Atmosphere_blog talks to them to find out the secrets behind their versatile work.


1. Gluekitはどのようにしてはじまったのですか?

Gluekitは2人で構成されています。スタジオはコネチカット州のNew Haven郊外にあり、イラストとグラフィックを中心に活動しています。Gluekitという名前は、切ったり貼ったりという古典的なグラフィックデザインのプロセスや(注・glueは糊の意)、即席的に作られたイメージ、つまり、要素の並列や置換が予想やメッセージを裏切ったり、思いがけないものを生み出す…というようなことを匂わせた名前なんです。僕たちの作品を見てもらえばわかると思うのですが、いろんな断片がぶつかりあうことを意図的に起こしています。イメージを作ったり、複製したりということの複雑さを楽しみながらやっています。
GluekitはChristopherがYaleのGraphic DesignのMFA(修士)に在籍していた2002年にひとりで始めたんです。最初はローカルな音楽雑誌とか、レコードレーベルなどの仕事を中心に、デジタルコラージュっぽい作品をつくっていましたね。Kathleenが加わったのはその3年後のことで、きちんとメンバーになったのは2006年です。手書きの文字から、コマーシャルな仕事としてのワーク、写真やテクノロジーを使ったプロジェクトまで、いろいろやりました。そして去年はチャリティプロジェクトのPart of Itを立ち上げました。デザイナーやアーティストに、それぞれの関心事をテーマとしたデザインをつくってもらい、売り上げの一部を選んだチャリティ団体に寄付する、というものです。プロジェクトの立ち上げと運営は本当に勉強になりましたね。

1. Could you tell us how you got started?

Gluekit is a two-person illustration and graphic-making team based out of New Haven, Connecticut on the beautiful East Coast of the United States. The studio’s name, “Gluekit,” references the cut and paste mechanics of historical graphic design processes, and the contemporary nature of ad hoc imagery—how the juxtaposition and re-composition of elements can transform, challenge and subvert expectations and message, revealing the unanticipated. Much of our work is a purposeful collision of fragments; we enjoy exploring the complexities of image-making and image-reproduction.
Christopher founded Gluekit in 2002, while earning his MFA degree in Graphic Design from Yale University. During Gluekit’s early years, Christopher focused on creating digital collage-like illustrations for regional music magazines and working with a number of record labels, as well as pursuing self-directed projects and other creative opportunities. Kathleen began collaborating informally with Gluekit in 2005 and formally joined Christopher in 2006. Our work together has really covered everything from handmade type experiments to commercial illustrations and playful projects that utilize photography and explore the creative process in the 21st century. In 2007, Gluekit also launched a charitable design project called “Part of It”– we ask designers and artists we admire to create a design about an issue they’re passionate about, and donate a portion of profits from sales of their designed totes and t-shirts to a related charity they’ve designated. Curating the project and nurturing its growth has been a really great experience for the studio.


2.小さな頃からデザイナーやイラストレーターになりたいと思っていたんでしょうか?

Christopherは間違いなくそうでしょうね。根っからのビジュアル人間で、子供のときからペンシルバニア州のお絵描きコンテストなどで賞をとったりしてたんです。それがいわゆるデザインへの興味に変わったのは高校生のときで、ローカルなハードコアミュージックシーンにのめりこみはじめたころです。フライヤーやファンジンのデザインに始まって、最終的には音楽・洋服の通信販売の会社まで設立してしまいました。7年間も続いてたんですよ。大学ではペインティングとデザインを専攻しましたが、イラストやイメージメイキングに重点を置き始めたのはYaleに入ってからですね。Kathleenはもともとは歴史や文化学などを勉強していて、美術に関わりだしたのは20代後半ですね。最も、母親が立体作品やテキスタイルを手がけるアーティストなので幼い頃から環境はあったのですが。

2. Did you always want to be designers or illustrators?

Christopher definitely did! He’s always been a very visually-oriented person, and began winning drawing competitions in Pennsylvania when he was a boy. His interest in drawing and comics transformed into an interest in design in high school when he was drawn into the local hardcore music scene. He began designing fliers for shows, started a number of zines, and eventually founded a music and clothing mail-order company which he ran from 1994-2001. Christopher studied painting and design in college; during graduate school at Yale, he realized he had a growing fascination with illustration and expressive image-making. Kathleen, on the other hand, has a background in history and cultural studies but didn’t begin to explore the arts until her late 20s. Her mother is a sculptor and weaver, however, and gave Kathleen an early and lasting love for creative expression, craft, and color-play.


3.いわゆる仕事以外にもたくさん作品作りやプロジェクトをこなしていますが、時間などの配分はどうしているんでしょう?

とにかく作るのが好きですから、ノートにどんどんアイデアをかきためてるんです。周りにありふれているインスピレーション、見るもの全てを吸収しながらやっていく感じです。異なるふたつの要素をつなげる事、偶然を追求する事、一見つまらないもの、シュールなもの、高尚なものを探る事が好きですね。
仕事の依頼はその都度うけて、合間に自分たちのプロジェクトをやるようにしてます。仕事も作品作りも実は繋がっていて、片方で発見した事をもう一方で活かしたりということが起きるんです。ラッキーな事に Faesthetic, Exit Strategy, それともう廃刊してしまったThe Dramaのような雑誌には作品発表の場も与えてもらえました。締め切りがある事で、きちんと計画して作品をつくるきっかけにもなるのでとてもいいんです。

3. You seem to do quite a lot of non-commercial, self-initiated projects.
How do you divide time between your commercial work and personal projects?

We love to play and create projects– we have dozens of notebooks full of ideas for the future, things we’d like to do, and themes we’d like to explore. And we really find that inspiration is all around us; we’re sticky thinkers and absorb the visual world, pop culture, and everything that we encounter. We really love to make connections, explore coincidences, and examine the mundane, the surreal, and the sublime.
In terms of how we balance personal play with commercial work, we tend to take assignments when they come our way, and fill in lulls with personal projects. We really love what we do, and there’s a definite flow between commercial projects and personal work; we can experiment with techniques in one venue and then play with them in another.
We also have been really lucky to be invited to do a lot of self-authored work in conjunction with structured projects, for arts magazines like Faesthetic, Exit Strategy, and the now defunct The Drama. The deadlines that these venues create help us schedule in work sessions and propel us to make time outside of our commercial workflow.


4. Gluekitは相当な数の文字デザインを手がけていますよね?なにか決まった手法や、思考法、インスピレーションのもとなどはありますか?

文字は手書きでつくるんですが、オーガニックで手作りな感じがその特徴です。スケッチブックにあるものがもとになってますけど、そこにも次に挙げるようなテーマがあるんです:手書き風の、触れるような文字、立体としての文字、幾何学的な構成やかたち。色とテクスチャーも気を使います。歴史に関連するような展覧会や本に使われる文字のデザインのときは、図書館で本を山積みにして徹底的にリサーチしますよ。デザインと文字の使い方はプロジェクトや見る人の種類によります。釣り合いがとれていないとだめですからね。Helvetica や Bodoniのような古典的な書体も好きですが、やっぱり革新的な表現に満ちた書体をつくりたいって思うんですよね。
(パート2に続く。アップは月曜日を予定しています。)

4. I believe that one of Gluekit’s strengths is lettering. Is there any particular working methodology, thought process, or inspiration source involved in it?

Our hand lettering is really organic and homegrown. It comes straight from the Gluekit sketch books, and is rooted in a couple of separate themes: an interest in creating hand-drawn and tactile letterforms; creating dimensional type; and experimenting with geometric composition and forms. We also really love to use color and texture in our work. For certain type-driven projects– exhibition and book design tied to historically specific content– we do a lot of research in the library stacks, searching out inspiration and the feeling of the period. And the design and use of type always is contingent on the audience and purpose of a project– there needs to be a symmetry and a balance. As much as we like Helvetica and Bodoni, we’ve carved out a big place in our hearts for expressive type that pushes boundaries.
(End of part 1. part 2 will be posted on Monday.)
Gluekit
www.gluekit.com
www.partofit.org
Gluekit’s blog:
http://gluekit.wordpress.com/